Mozart e Salieri - Nikolai Rimsky-Korsakov

 

Mozart e Salieri (em russo: Моцарт и Сальери, transl. Motsart i Sal’yeri) é uma ópera em um ato (duas cenas) do compositor russo Nikolai Rimsky-Korsakov, com libreto em russo extraído praticamente na íntegra do drama em versos de 1830 do escritor russo Alexander Pushkin.

Mozart e Salieri - Nikolai Rimsky-Korsakov


A história segue a lenda apócrifa de que o arquirival de Mozart e compositor Antonio Salieri teria envenenado Wolfgang Amadeus Mozart por inveja da música deste. Rimsky-Korsakov incorporou citações musicais do Requiem e de Don Giovanni na partitura. Richard Taruskin inseriu esta ópera dentro do contexto histórico do desenvolvimento da tradição realista na ópera russa.

Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov (em russo: Николай Андреевич Римский-Корсаков; Tikhvin, 18 de março de 1844 — Lyubensk, 21 de junho de 1908) foi um militar, professor, e compositor russo. Um mestre em orquestração. A sua mais conhecida composição orquestral Capriccio Espagnol, e a suíte sinfônica Scheherazade são considerados básicos do repertório de música clássica. Foi membro nacionalista do Grupo dos Cinco, juntamente com Mily Balakirev, Aleksandr Borodin, César Cui e Modest Mussorgsky.

A primeira performance foi realizada no Teatro Solodovnikov, em Moscou, com a Ópera Russa Privada de Moscou, em 7 de dezembro de 1898 (no calendário antigo, 25 de novembro), regida por Iosif Truffi. Fyodor Chaliapin, que originalmente faria o papel de Salieri, teria cantado a peça como um monodrama, na medida em que o papel de Mozart estava dentro de sua amplitude vocal. A ópera estreou no continente americano em Forest Park, Pensilvânia, nos Estados Unidos, no ano de 1933.

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Música Clássica

O Messias (Messiah) - Georg Friedrich Handel

 

O Messias (Messiah) (HWV 56, 1741) é um oratório/oratória de Georg Friedrich Händel com 51 movimentos divididos em 3 partes, durando entre cerca 2h 15min e 2h 30min. Deve notar-se, desde já, que o tempo varia em função das diferentes interpretações (como qualquer outra composição musical que se mede por compassos e não por minutos).

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Embora o 42ª movimento (o célebre "Aleluia") seja reconhecível por qualquer pessoa (mesmo não sabendo a que obra pertence ou que compositor a escreveu), o "Messias" não é tão conhecido na sua totalidade como merecia. A maior parte das vezes, os programas de concertos apenas escolhem alguns movimentos (recitativos, árias e corais), perdendo assim o sentido integral e unitário da obra. Se a "fama" e o grau de popularidade fossem critérios válidos de apreciação estética, considerar-se-ia a mais famosa criação de Händel.

Por razões de economia de tempo e em virtude das práticas artísticas da segunda metade do séc. XIX e primeira do séc. XX, algumas edições e interpretações do "Messias" apresentam-se divididas apenas em 2 partes e com inúmeras variantes. A oratória foi concebida como um tríptico, sublinhando simbolicamente a importância do nº 3 na cultura teológica. Da mesma forma, o número de músicos pensado pelo compositor para a sua interpretação era muito menor do que habitualmente se assiste nos grandes concertos (rondariam os 60 músicos, incluindo coro, orquestra e solistas). Felizmente, existem já várias interpretações / gravações que se regem pelo rigor e respeito historicista, baseando-se em estudos multidisciplinares de forma a reproduzirem o mais fielmente possível as práticas musicais da época.

No "Messias" assistimos a diversos relatos em torno Jesus Cristo desde a sua anunciação profética, o seu nascimento, vida, morte e ascensão. vide: céu.
Assim: 1ª Parte - Apresenta a profecia e o nascimento de Jesus; 2ª Parte - Relata episódios da Paixão, culminando no coral "Aleluia"; 3ª Parte - Descreve o tema da Redenção.

Em 1741, Händel recebeu um convite de Lord Lieutenant da Irlanda para ajudar a angariar dinheiro para três instituições de caridade de Dublin através de apresentações musicais. Embora doente nessa época, Händel estava determinado a compor um novo oratório sacro para a ocasião, pedindo a Charles Jennens (libretista de Saul e Israel in Egypt) um tema apropriado. Jennens respondeu com uma criteriosa recolha de versículos e escrituras do Velho e Novo Testamentos arranjados num "argumento" em três partes (como ele o descreveu). O resultado foi o mais conhecido e amado oratório de Händel. A obra estreou-se em Dublin, no período da Páscoa de 1742.

À epoca, o texto suscitou controvérsia com jornais ponderando sobre sua natureza "blasfema". A obra acabada, contudo, teve outra receptividade, sendo elogiada em Berlim e depois em Londres. Händel fez várias revisões subsequentes, incluindo uma versão criada em 1754 para o "Thomas Coram's Foudling Hospital" (fundação para a educação de crianças abandonadas à qual Händel passa a dedicar mais tempo a partir de 1749). Atualmente ainda é um obra muito apreciada e requisitada para os eventos natalícios, embora frequentemente apenas a 1ª Parte e o "Aleluia" (com que encerra a 2ª Parte) sejam interpretados, não respeitando a integridade da oratória.

A tradição historiográfica romântica registou, deturpadamente, que quando na primeira apresentação do "Messiah" em Londres - onde o rei de Inglaterra, George II, estava presente - o coro começou a entoar as primeiras notas do "Aleluia", o rei, embevecido e impressionado com a portentosidade e a beleza daquela música, automaticamente levantou-se de sua poltrona. Quando os presentes viram que o rei estava em pé, toda a audiência ergueu-se (ninguém permanece sentado na presença do rei em pé protocolo real). Explicar-se-ia, deste modo, o costume da platéia permanecer em pé durante a execução do "Aleluia" do "Messias" de Händel.

No entanto, não há provas desse episódio. Segundo a Wikipedia em inglês: "The custom of standing for the "Hallelujah" chorus originates from a belief that, at the London premiere, King George II did so, but there is no convincing evidence that the king was present, or that he attended any subsequent performance of Messiah; the first reference to the practice of standing appears in a letter dated 1756").

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Música Clássica

Griselda - Antonio Lucio Vivaldi


Griselda (RV718) é uma ópera em três atos do compositor veneziano Antonio Vivaldi (1678-1741). Baseada em uma história do Decameron de Boccaccio, tem libreto de Carlo Goldoni, adaptado de um libreto precedente, de Apostolo Zeno, e musicado pela primeira vez por Antonio Maria Bononcini. Essa primeira versão havia sido encenada em Milão, no Regio Ducal Teatro, em 26 de dezembro de 1718. Alessandro Scarlatti também musicou o libreto de Zeno em 1721 e sua Griselda é a última ópera do compositor que chegou até nós em versão completa.

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Vivaldi reservou o personagem título de sua Griselda para a contralto (em termos modernos, mezzo-soprano) Anna Girò, que era próxima do compositor, tanto musical quanto pessoalmente (alguns a chamavam, maliciosamente "l’Annina del Prete rosso": a Aninha do padre ruivo). Esse foi o primeiro papel de protagonista desempenhado por Girò em uma ópera de Vivaldi.

Foi com Griselda que Vivaldi, antes considerado "plebeu" demais para ser ouvido na maioria dos teatros venezianos, finalmente conseguiu penetrar nesse fechado círculo, graças a mudanças políticas e artísticas ocorridas no período. Sua ópera foi apresentada pela primeira vez no Teatro San Samuele, em Veneza, em 18 de maio de 1735.

Anos antes do início da ação que ocorre em cena, Gualtiero, rei da Tessália, havia se casado com uma pobre camponesa de nome Griselda. Mas o casamento se mostrou profundamente impopular dentre os súditos do monarca. Quando nasceu Costanza, a filha de Gualtiero e Griselda, o rei simulou sua morte, enviando-a secretamente para ser criada por Corrado, príncipe da Apúlia.

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Música Clássica

A Sagração da Primavera - Igor Stravinsky




Le Sacre du printemps (A Sagração da Primavera; em russo: Весна священная; transl.: Vesna svyashchennaya), com o sub-título de Quadros da Rússia pagã em duas partes, é um balé composto por de Igor Stravinsky e coreografado originalmente por Vaslav Nijinsky. A concepção de cenografia e os figurinos foram de Nicholas Roerich. O balé foi produzido por Sergei Diaghilev para a sua companhia de Ballets Russes, tendo estreado no Teatro dos Campos Elísios de Paris, em 29 de maio de 1913.

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As inovadoras e complexas estruturas rítmicas da música, os timbres e o uso de dissonâncias fizeram dele um seminal da composição do século XX. Em 1973, o compositor e maestro Leonard Bernstein disse em uma passagem: "Esse papel tem sessenta anos de idade... Também tem as melhores dissonâncias que alguém poderia ter imaginado e as melhores assimetrias e politonalidades já feitas, seja qual for o nome que você lhe queira dar." 

A execução da obra dura cerca de 33 minutos.

Enquanto que o título russo, literalmente, significa "fonte sagrada", o título inglês é baseado no título francês sob o qual a obra estreou, embora sacre seja mais precisamente traduzida como "consagração". Ele tem o subtítulo Retratos da Rússia Pagã (francês: Tableaux de la Russie païenne).

As versões divergem sobre a origem do conceito de A Sagração da Primavera. Já velho Stravinsky disse que a concepção veio até ele em um sonho. Mas fontes da época sustentam que a ideia surgiu com o filósofo e pintor russo Nicholas Roerich. Roerich compartilhou sua ideia com Stravinsky em 1910, uma visão fugaz de um ritual pagão no qual uma jovem dança até a morte. Juntos, Roerich e Stravinsky elaboraram um cenário de danças pagãs na Rússia pré-cristã. Roerich retratou a partir de cenas de ritos históricos para inspiração e usou uma pesquisa da cultura russa para criar os cenários e figurinos para completar a imagem do paganismo russo.

O mais antigo conceito de Stravinsky para a música de A Sagração da Primavera veio na primavera de 1910. Stravinsky escreve: "... surgiu a imagem de um ritual sagrado pagão: os sábios anciãos estão sentados em um círculo e estamos observando a dança antes da morte da menina a quem eles estão oferecendo como um sacrifício ao deus da Primavera, a fim de ganhar a sua benevolência. Isto tornou-se o tema de A Sagração da Primavera.

Enquanto compunha O Pássaro de Fogo, Stravinsky começou a formar as idéias para a peça, contando com a ajuda de Roerich. Apesar de ter sido desviado por um ano enquanto ele trabalhava em Petrushka (que tinha a intenção de ser uma luz burlesca como um alívio do trabalho orquestral intenso já em andamento), A Sagração da Primavera foi composta entre 1912 e 1913 pelo Ballets Russes de Sergei Diaghilev.

Diaghilev confiou a coreografia do balé a Vaslav Nijinsky, bailarino da companhia masculina. Nijinsky concebeu um estilo de dança completamente original para o balé, que enfatizava movimentos staccato de terra com os pés voltados para dentro. Foi uma mudança radical do balé como era conhecido na época. Nijinsky experimentou problemas consideráveis ​​em transmitir suas ideias para seus colaboradores e em ensinar os passos para os dançarinos. Stravinsky escreveria mais tarde em sua autobiografia sobre o processo de trabalho com Nijinsky na coreografia, afirmando que "o pobre rapaz não sabia nada de música" e que Nijinsky "tinha sido confrontado com uma tarefa além de sua capacidade." Enquanto que Stravinsky elogiava o incrível talento de Nijinsky na dança, ele estava frustrado por trabalhar com ele na coreografia.

Essa frustração foi retribuída por Nijinsky em relação à atitude paternalista de Stravinsky: "... tanto tempo é desperdiçado quando Stravinsky pensa que ele é o único que sabe alguma coisa sobre música. Quando trabalha comigo, ele explica o valor das notas pretas, das brancas, e afins como se eu nunca tivesse estudado música... Eu queria que ele falasse mais sobre a sua música de “Sacre”, e não que me desse uma palestra sobre a teoria musical. 

O arqueólogo e pintor Nicholas Roerich contribuiu com a cenografia e os figurinos, que foram descritos em um artigo de 2002 Ballet Magazine como "batas pesadas, pintadas à mão com símbolos [primitivos] de círculos e quadrados". 

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Música Clássica

Concerto para Clarinete em A maior, K 622 - Wolfgang Amadeus Mozart

 

O Concerto para Clarinete em A maior, K 622, de Wolfgang Amadeus Mozart, foi composto em Viena em 1791 para o clarinetista Anton Stadler, para clarinete e orquestra.

O concerto é também uma das últimas obras completas de Mozart, e seu último trabalho puramente instrumental (ele morreu em dezembro, após a conclusão). O concerto é notável pela sua interação delicada entre solista e orquestra, e também pela falta de cadenzas na parte do solista.

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Mozart escreveu a obra originalmente para clarinete basset, um tipo especial de clarinete que atinge notas mais graves além do registro usual. Como a maioria dos clarinetes não conseguiria tocar as notas graves que Mozart escreveu para destacar esse instrumento, o editor de Mozart transpôs as notas graves para o tom regular e não publicou a versão original. Os manuscritos originais se perderam, sendo penhorados por Stadler, e até meados do século 20 os musicólogos não sabiam que a versão original do concerto não tinha sido ouvida desde a vida Stadler. Assim que o problema foi descoberto, foram feitas tentativas de reconstruir a versão original, e novos clarinete basset foram construídos com a finalidade específica de realizar o concerto de Mozart. Neste contexto, é interessante notar duas outras obras escritas para Stadler e seu instrumento de compositores intimamente ligados ao círculo Mozart-Stadler, que usaram a tessitura estendida do instrumento de Stadler: o Concerto para Clarinete de Franz Xaver Süßmayr (famoso por ter completado o Requiem de Mozart) e o concerto de Joseph Leopold Eybler.

O concerto, como todos os outros concertos para solistas da época, constitui-se de 3 movimentos:

Allegro - Por se o primeiro movimento, encontra-se no tom original da obra: A maior.
Adagio - Encontra-se em um tom subdominante em relação ao primeiro e terceiro movimento: Ré maior.
Rondó: Allegro - Está no mesmo tom do primeiro movimento.

Allegro

Originalmente escrito como um esboço para corno basseto, o movimento abre com uma declaração orquestral do tema principal. O tema é retomado pela solista, e a música rapidamente assume um tom mais melancólico. No final desta seção, as pausas na parte do solo são ocasionalmente tomadas como ponto de realizar uma cadenza, embora nenhum contexto é oferecido para uma cadenza verdadeira. 2 O tema principal reaparece transposto, e leva à característica inovadora do solista acompanhar a orquestra com um baixo Alberti. Um complexo desenvolvimento leva à uma mudança drástica, que, depois de um tutti, leva de volta para o tema principal. O baixo Alberti e os arpejos para o solista se repetem até o final do movimento, um alegre tutti em A maior.

A segunda metade da exposição desse movimento aparece em quase todas as audições de clarinete de orquestras profissionais.

Ritornello orquestral: compassos 1–56
Exposição do solo: compassos 57–154
Ritornello: compassos 154–171
Desenvolvimento: compassos 172–227
Ritornello: compassos 227–250
Recapitulação: compassos 251–343
Ritornello: compassos 343–359

Adagio

O movimento começa com a execução do tema principal (de 8 compassos) pelo solista, a orquestra serve de acompanhamento tanta na exposição do tema quanto no desenvolvimento do mesmo. O desenvolvimento do movimento começa imediatamente após a conclusão do tema principal em um tutti orquestral. Este desenvolvimento se torna o tema secundário. A reexposição é precedida por uma pausa em que a cadenza pode ser feita (como escrito por Mozart). Há uma reexposição do tema primário pelo clarinete e reforçada pela orquestra. O ápice do concerto ocorre com a coda.

Rondó: Allegro

O rondó que fecha o concerto tem um alegre refrão, com episódios ecoando esse estado alegre ou recordando as cores escuras do primeiro movimento. É uma mistura de sonata e rondó que Mozart desenvolveu em seus concertos para piano, mais notavelmente o Concerto para Piano em a maior, K. 488.

O refrão de abertura (compassos 1-56) apresenta o solista em diálogo com a orquestra, muito mais do que em concertos de piano. De muitas maneiras, este é um diálogo de demonstração de superioridade — quanto mais definitiva é a afirmação da orquestra, maior é o virtuosismo na resposta do clarinete.

O primeiro episódio (compassos 57-113) apresenta linhas cromáticas e dramáticas, escritas especialmente para o clarinete basset com sua extensão mais grave. O refrão é ouvido de novo de uma maneira um pouco mais simples, e a música modula para F♯ menor.

O segundo episódio (compassos 137-187) contém "uma das mais dramáticas apresentações para clarinete basset em todo o concerto, incluindo saltos espetaculares junto com o diálogo entre o registro do clarinete soprano e barítono." Depois deste episódio, não há refrão.

O terceiro episódio (compassos 188-246) é uma recapitulação do primeiro, mas invés de uma simples transcrição, ele modula quatro vezes. Isto permite que o solista tenha a oportunidade de mostrar figurações cromáticas, e o compositor demonstre sua criatividade na reformulação do material.

O refrão (compassos 247-301) é ouvido pela última vez, exatamente como foi apresentado na abertura, antes de prosseguir para a coda. Aqui o tema do rondó é desenvolvido de forma dramática, usando toda a extensão do clarinete. No final, o estado mais alegre retorna, e o concerto termina com um tutti intocado por tocada melancolia usada no resto da obra.

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Concerto para Violino n.º 2 - Béla Bartók

 


O concerto para violino n.º 2 de Béla Bartók, BB 117 (escrito entre 1937 e 1938), foi dedicado ao violinista virtuoso húngaro Zoltán Székely, que pediu a composição em 1936, e é um exemplo de primeira qualidade do estilo verbunkos.

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Bartók compôs o concerto em uma difícil situação de vida, ocupada com uma grande preocupação pela força crescente do fascismo. Ele tinha uma firme posição antifascista, e por isso tornou-se o alvo de vários ataques na Hungria pré-guerra. Entretanto, a composição está escrita com uma atmosfera particularmente otimista.

Béla Viktor János Bartók de Szuhafő (Húngaro: AFI: [ˈbeːlɒ ˈbɒrtoːk]) (Nagyszentmiklós, 25 de março de 1881 — Nova Iorque, 26 de setembro de 1945) foi um compositor húngaro, pianista e investigador da música popular da Europa Central e do Leste.

Bartók é considerado um dos maiores compositores do século XX. Foi um dos fundadores da etnomusicologia e do estudo da antropologia e etnografia da música.Juntamente com seu amigo, o compositor Zoltán Kodály, percorreu cidades do interior da Hungria e Romênia, onde recolheu e anotou um grande número de canções de origem popular. Durante a Segunda Guerra Mundial, decidiu abandonar a Hungria e emigrou para os Estados Unidos. Morando em Nova Iorque, Bartók decepcionou-se com a vida americana.Havia pouco interesse pela sua obra, e suas apresentações, onde sua segunda esposa, Ditta Pásztory também participava, deram pouco retorno financeiro.Ajudado financeiramente por amigos, prosseguiu em sua carreira de compositor, sendo o sexto quarteto uma de suas últimas composições. Em 1944 sua saúde declina tanto que Bartók passa a viver no hospital, sob cuidados medicos.Apesar da sombria situação, compõe ainda o 3 °Concerto para Piano e um Concerto para Viola, que fica incompleto, ao morrer aos 64 anos, de leucemia. 

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Música Clássica

Sinfonia n.º 7 em lá maior (Op. 92) - Ludwig van Beethoven



Ludwig van Beethoven iniciou o trabalho concentrado em sua Sinfonia n.º 7 em lá maior (Op. 92) em 1811, enquanto ele estava na cidade termal de Teplice, na Boêmia na esperança de recuperar a sua saúde. Ela foi completada em 1812, e foi dedicada ao Conde Moritz von Fries.

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A orquestra descrita para a peça compõe-se dos seguintes instrumentos:
2 flautas
2 oboés
2 clarinetes em lá
2 fagotes
2 trompas em lá, mi e ré
2 trompetes em ré
tímpanos
violinos (I)
violinos (II)
violas
violoncelos
contrabaixos


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